El éxito
de una competencia que llega para quedarse
La decisión
de la dirección del Festival Internacional de Teatro Clásico
de Almagro de incluir en el evento de teatro clásico más
importante de España, una muestra competitiva para jóvenes
directores y elencos, como el Almagro OFF que tuvo
lugar en el incomparable marco de La Veleta entre el 4 al 14
de julio, ha resultado uno de los grandes aciertos de esta
34 edición y uno de sus más resonantes éxitos.
De un total
de 62 propuestas llegadas de 12 países -incluyendo España-,
el jurado de selección integrado por Carmen Losa, actriz,
autora, directora de escena y directora de la Escuela de
William Leyton; Ana Zamora, directora de escena; Yolanda
Pallín, autora dramaturga y profesora de la RESAD; Laila
Ripoll, directora de escena además de profesora e Itziar
pascual, autora dramaturga y profesora de la RESAD, escogió
los 10 montajes que dieron forma a la programación de este
Primer Certamen Internacional de jóvenes directores de
Teatro Clásico. (1)
Con una
excelente ocupación de sala, La Veleta se convirtió
en un nuevo motor de atracción para el Festival, dada la
novedad, el riesgo y las relecturas que caracterizaron las
propuestas que pusieron en escena, sobre sus tablas, los
nuevos directores; tanto por su creatividad, como por su
visión actual de la permanencia de textos que aún siguen
forjando parte del pensamiento y del imaginario artístico y
cultural de nuestro tiempo.
Entre todas
las propuestas, la palma del certamen fue para la compañía
argentina Compañía de Titiriteros de la Universidad
Nacional San Martín de Buenos Aires, dirigida por
Carlos Almeida, en un soberbio, inesperado y claramente
contemporáneo montaje de un gran clásico como es La Vida
es Sueño de Calderón de la Barca,en versión libre para
teatro de títeres y objetos del ñpropio Carlos Almeida, al
frente de un elenco integrado por: Hernesto Musano,
Guillermo Tassara, Clara Chardin, Lucía Arias, Pablo Maidana
y Eduardo Páez, con el diseño de luces de Julio Reynoso.
Tanto en el espacio de La Veleta, especialmente
adecuado para el evento, como en las tres presentaciones que
realizaron en el Patio de los Fúcares, un escenario a
cielo abierto del siglo XVI, los de la UNSAM
recibieron uno de los más calurosos y prolongados aplausos
del festival.
“Una de las
joyas del Festival”,
así calificó este espectáculo, Natalia Menendez, directora
del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro
quien formó parte del jurado de esta Primera Edición del
Almagro Off, el cual fue presidido por Miguel del Arco y
cuyos otros miembros fueron Elena Shaposnik, Carmen Losa y
Ricardo Meléndez. Ellos destacaron, en su veredicto, el muy
alto nivel de los participantes, en especial las propuestas
de Malcontent, (basado en la duquesa de Malfi de John
Webster), Sueños Rotos (inspirado en Don Quijote de
La Mancha y un soñador del siglo XV portugués que murió al
tratar de volar con los métodos de Leonardo da Vinci) y el
espectáculo De Fuenteovejuna a Ciudad Juárez, una
valiente, juvenil y comprometida actualización del clásico
en el contexto de los asesinatos de mujeres en la
tristemente célebre Ciudad Juárez, de México.
(1) Los
espectáculos elegidos fueron: La vida es sueño,
dirigido por José Luis Fernández de La Refinería Teatro de
Andalucía; Las mocedades del Cid dirigida por Gustavo
Galindo del Teatro Galo Real de Valencia; Malcontent,
dirigido por Owen Horsley al frente de Grumelot y Teatro en
Tránsito del Reiuno Unido; Todas Muertas por Abel
Zamora del Oscura Teatre de Cataluña; Macbeth por
Albert Viñas y Per se de Cataluña; Experiencia Mural
por Kasem Istambouli de Istamblouli Theatre del Líbano,
La vida es sueño por Carlos Almeida de la Universidad
Nacional San Martín de Argentina; Proyecto Tempestad,
por Eloísa Jaramillo al frente de Artefacto de Colombia;
Sueños Rotos por Rafaela Santos de Magnolia Teatro de
Portugal y De Fuenteovejuna a Ciudad Juárez por Lucía
Rodríguez Miranda frente a The Cross Border Project de
Castilla y León y EEUU.
Almagro Off
/ Destacados
Apuntes
para una breve reseña.
Por Luis
Masci
LA VIDA ES
SUEÑO
De Calderón
de La Barca
Versión y
Dirección: Carlos Almeida
Trabajo
exquisito producto de una concepción original, tanto en el
tratamiento del clásico, como en la forma de llevarlo a la
escena, despliega una convivencia armónica e interactuante
de dos mundos en uno nuevo, novedoso e impactante. Desde
este punto de vista, estamos frente a un abordaje
francamente contemporáneo de un texto clásico del Siglo de
Oro que constituye un ejemplo de acercamiento actual y
coherente del clásico original, que incluye una resolución
innovadora del tema, su estética y su ética, para concretar
un punto muy alto dentro de las propuestas que hoy apuestan
a la pureza del drama, la síntesis y, paradójicamente, la
ruptura de la apariencia como la forma más directa de
ponerse en contacto con lo escencial del original de de la
versión.
El trabajo
de texto: es depurado, en una versión que enfatiza la
claridad de su contenido. Inseparable, igual que la música,
del efecto que genera el sólido manejo físico-corporal
adquiere un asombroso relieve en la solución escénica que
implica el recurso del plástico como significante
polivalente (útero, cárcel, cueva, cuerpo, naturaleza,
batalla, etc.), el cual aporta, decisivamente, a la creación
de la textura del espectáculo y su mundo.
Ejemplar
resulta, asimismo -y sobretodo en los tiempos que corren- ,
la simpleza de recursos que vuelven a poner en evidencia que
el actor es la herramienta fundamental y clave de la
representación.
Tiempos,
ritmo, intensidades, alternancia de los respectivos niveles,
hacen del discurso escénico un todo logrado, efectivo, claro
y dramático.
La
importancia del diseño de iluminación, en este caso es
decisivo, ya que devuelve a nuestros ojos el exacto
potencial y el carácter único que tiene en el escenario.
Resultado
de una concepción de trabajo teatral, de una estética y una
forma de manejo de los objetos, el espectáculo sintetiza con
claridad todos los puntos que focaliza y establece una
impecable línea de tensión que concentra la atención del
público que demuestra con su emocionado aplauso ese contacto
único entre los espacios de la escena y del publico unidos
por el intangible lazo del arte.
El traslado
de la obra al mundo creado, incluidos los protagónicos
animales, permite un nuevo distanciamiento que, al tiempo de
entretener y fascinar, gesta el necesario ámbito de una
nueva recepción y la reflexión.
Todo un
acierto.
MALCONTENT
Basado en
La duquesa de Malfi de John Webster
Dirección:
Owen Horsley
Muy
interesante. La labor de dirección es clara, pujante,
punzante, y lleva las riendas de su propuesta hasta el
último segmento (5ºacto). Allí, el espectáculo se demora en
idas y vueltas que deshacen el momento alcanzado y lesionan
el momento catártico. Ste hecho, tal vez debido al tiempo de
ensayos de este estreno, reclama un mayor trabajo de
síntesis de la acción (a nivel de desarrollo dramático y
texto), así como de su ejecución, para dar una mayor unidad
y continuidad al conjunto del montaje.
Excelentes
actuaciones, aunque no del todo parejas. Se podría apreciar
algunos desarrollo de personajes cuyo arco de variación
hubiera merecido mayor extensión para ganar en intensidad,
efecto y verosimilitud. Fluidez de diálogos. El uso del
vestuario actualizado guarda coherencia con el planteo y
también con la actuación.
Aunque la
opción de trabajo sobre el original implica un recorte muy
personal del tema y su desarrollo, para nada incide en la
calidad y nivel del espectáculo, por el contrario, es un
riesgo bien jugado que finalmente le aporta un “refreshment”
y una nueva capacidad de indagación. Sorprenden algunas
resoluciones escénicas por su imaginación y calidad.
Buena
iluminación y uso de elementos escenográficos. Habrá que
seguir la trayectoria de este joven director, muy impregnado
de una impronta Donelan, pero que muestra cartas tan propias
como incitantes.
SUEÑOS
ROTOS
(Inspirado
en Don Quijote de La Mancha)
Dirección:
Rafaela Santos
Interesante
propuesta a partir de una dramaturgia que no se propone más
que la exploración de un paralelismo –y lo que tal hecho y
la importancia de su alance importan- entre Joao Torto y Don
Quijote. El primero, obsesionado por el vuelo humano como
posibilidad pensada, sostenida y ensayada con los recursos
de la época por eonardo da Vinci y el segundo, obsesionado
por una vida de aventuras guiadas por una moral y una ética
en choque con el mundano materialismo de la vida corriente.
El montaje apunta a ese obsesión e insiste en ella como un
túnel del cual se sale sólo por la realización de los
aparentemente imposible, de allí el fracaso, al menos
aparente de ambas vidas (real y ficcional) y el triunfo de
ambos intentos sobre el tiempo y los límites.
Escénicamente y apoyándose en el contexto de los libros como
materialización de la obsesión y del encierro en su mundo,
la puesta los convierte en fórmula que condiciona el
accionar de los personajes, los propulsa y los limita, los
desbarata y los confronta, hasta el sueño derribado y el
refuerzo transferido a la platea del deseo de continuar
ansiando aquello que luce como aparentemente imposible.
El manejo
actoral de la escena es dúctil, económico, lúcido y
atractivo en su eclecticismo de fuentes. El espacio, sus
mutaciones a la vista, su significación y aporte al discurso
escénico, evidencia un sutil trabajo de investigación física
e interpretativa. La música que acompaña el montaje está muy
bien escogida.
Estamos, en
suma, ante una decisión que opta por el pequeño formato y
que no apuesta por aparatosas metas sino por aquellos
concretos fulgores del juego posible en esta escala de
espectáculo, donde la excelente plasticidad de los actores,
sus movimientos elegantes e ingeniosos, impactan ya en el
humor, ya en la tragedia, gestando un clima de contacto muy
cercano, sincero, juvenil y que logra transmitir
exactamente lo que se propone.
DE
FUENTEOVEJUNA A CIUDAD JUÁREZ
Thalía
Spanish Theater & The Cross Border Project
Dirección
Lucía Rodríguez Miranda
Concebida a
partir del paralelo existente entre los abusos del
comendador en la Fuenteovejuna de Lope de Vega y los que
ahora, en 2011 continúa practicando la mafia del
narcotráfico en Ciudad Juárez, México, calificada hoy como
la ciudad más peligrosa del mundo, se centra en los
atropellos, violaciones y asesinatos de mujeres que
constituyen, en ambos casos, el blanco del ejercicio del
poder. Un poder violento, sanguinario, machista y criminal.
“Fuente
Ovejuna simboliza no sólo el reconocimiento de la voz
femenina frente a la opresión, sino la asimilación de la
culpa colectiva, del drama social que es el silencio. Por
eso, en nuestra versión, las labradoras lopescas se
convierten en trabajadoras de maquiladora, los músicos son
mariachis mujeres con las que el público bebe tequila y el
Comendador un narco sin escrúpulos. La figura de los
monarcas se sustituye por la voz de Felipe Calderón,
presidente de México, que todo lo ve y calla.” , dice Lucía
Rodríguez Miranda, la directora, quien conduce esta versión
de Sergio Adillo, que coproducen el Thalia Spanish Theatre y
el Cross Border Project, con el apoyo del consulado de
España en New York.
La puesta
en escena conjuga los tiempos, el de ayer y el de hoy, en la
persistencia de un juego de vaivén que hace retumbar la voz
de Lope y la de su Laurencia, contra el silencio de las
calles ensangrentadas de Ciudad Juárez donde las mujeres son
sacrificadas en el demencial espiral del crimen-.n
Actuaciones en la tensión del tema; un elenco que si bien
muestra ciertos desniveles aparece conducido sin pausa, en
un ritmo por momentos de vértigo, hacia su mejor performance,
mezcla de lenguas y de acentos y de épocas, el montaje
oscila entre el testimonio y el clásico, la performance y la
representación más tradicional. Música en vivo,
distanciamiento e inmersión, las técnicas de Boal se
readecuan para representar y pedagogizar, para gestar un
momento de comunión vía tequila en un entorno del cual el
espectador debe separarse, distinguir entre la inercia y el
golpe de conciencia.
